Amorum Emblemata

Febrero es el mes de las inscripciones pero también, dicen por ahí, es el mes del amor y la amistad (aunque aún no entiendo la diferencia específica entre uno y otra).

No nos vamos a poner a criticar el amor rosa de Sn Valentin porque eso ya lo hicimos en la adolescencia y en los años de haterismo radical, eso de odiar solamente por convivir; esos años en los que está de moda poner resistencia emocional a toda corriente más o menos aceptable en sociedad, y poner resistencia intelectual a toda postura que pueda ser más o menos razonable para todos los demás humanos.
No nos vamos a pelear con la idea del amor romántico de la misma manera en que no te pones a darle patadas a un animal agonizando.  No somos ociosos ni sádicos. Déjenlo en paz, ya está muerto.

El amor en estos tiempos podemos tratarlo como se habla de alguien a quien hemos dejado de ver hace ya tiempo, a quien quisimos pero luego nos dimos cuenta de que nunca fue lo que pensamos. Es como hablar de un amigo imaginario. No hablamos de él irrespetuosamente porque no se habla irrespetuosamente de los fantasmas; pero sí podemos hablar del tema desde otros humanos; el amor no va a dejar de ser importante para nosotros solamente porque no se haya probado su existencia, el amor es como el diablo, como el imperativo categórico o como el quinto partido para la selección mexicana en un mundial de futbol: no existe de una manera tangible y no se concretará nunca, pero la figura de su presencia sigue rigiendo nuestro comportamiento.

Otto van Veen fue un emblemista holandés de comienzos del siglo XVII, y me refiero a emblemista no en el sentido falso con que identificamos ese sustantivo, sino como el significado original de la palabra: como una imagen que se explica desde el proverbio o epigrama que acompaña al dibujo o grabado. Para ese entonces la lengua universal era el latín, y los grabados o dibujos aludían siempre al universo simbólico grecolatino. En el siglo XVII holandés se aparece ya el comienzo de la madurez humanista en Europa occidental.

Van Veen hace 3 libros a base de emblemas: Quinti Horatii Flacci emblemata (1607), Amorum Emblemata (1608) y Amoris divini emblemata (1615).
El libro que nos hemos encontrado en esta hermosa red es el segundo, Amorum Emblemata. Ahí se nos presentan 124 grabados de putti que representan distintas salpicadas de sabiduría ancestral a propósito del amor; reflexiones, proverbios e ideas sobre el amor de pensadores como Plutarco, Séneca o Virgilio.

El amor es uno de los 4 temas principales de los emblemas como género artístico; los otros 3 son: la educación moral, la política y la religión. El putto es una figura infantil, desnuda y habitualmente alada; representa a las pasiones profanas al mismo tiempo que la omnipresencia divina en el mundo terrenal. No es el que lo lea sino el que representa la pasión tanto como lo divino.

Amorum Emblemata es un compilado de putti (niño: putto / niños: putti) representando a, "oh sorpresa", el amor. Los putti son lo que la TV dice que es un cupido.

Estos putti que representan al amor lo hacen desde la perspectiva del siglo XVII, es decir, con los valores morales asociados a ese sentimiento que se asocia en todo discurso de la época con el acercamiento a Dios y las obligaciones que tenemos respecto a Él.
Esto es, un amor que es eterno (como Dios mismo) y que se cierra sobre sí mismo, que es autofundado: infundado e infinito.

El primero de los Amorum Emblemata reza,

AMOR ETERNUS

Nulla dies, tempúʃue poteśt diʃʃoluere amorem, 

Néue eʃt, perpetuus fit niʃi, verus Amor,

Annulus hoc anguiʃå tibi curuatus in orbem, 

Temporis ǣterni ʃigna vetusta, notant.

Que en español podríamos (disculpen mi oxidado latín) traducir más o menos así...

AMOR ETERNO

Anillo serpenteado que se muestra y se abre

La eternidad constante: el amor verdadero.

En élla vive siempre, y no feroz.

El tiempo destructivo nada le ofende.

Esta visión protorromántica del amor, de las pasiones y de su papel en el universo moral del humano cristiano, podemos encontrarla ya en estos emblemas. La noción del amor como hilo conector con el dios verdadero (ahora sí verdadero) es tan vieja y trabajada que nos produce no solamente asombro sino también una suerte de miedo mezclado con angustia, porque no se está haciendo una distinción entre las pasiones del alma y el supuesto canal de comunicación divina; además de sugerir que no hay ningún problema con eso.

El emblemata es un tratado pedagógico sobre el amor, es el cómic del amor según Eloísa y Abelardo, según Tristán e Isolda.Está en un tono discursivo cercano al medievalismo pero impregnado de contenido clásico en la figura regordeta del putto o cupido. Se trata de un niño malcriado, caprichoso y al parecer, con déficit de atención. No es una figura divina que se conduce con propiedad o templanza entre los humanos; no es un referente de prudencia y consejo para una existencia angustiada por la carestía, la cuarta transformación o porque él/ella no te conteste a tiempo los mensajes que con tanta ilusión le escribes.

El amor es impaciente, auto destructivo y mentiroso.

 

So, si no tienen plan parea 14 de febrero, el Amorum Emblemata es un excelente pretexto para acercarse al amor sin embarrarte de la melaza que desprenden los demás humanos. Un entretenido manual para entender al amor romántico desde los valores medievales y prerománticos, que tras revisarlo hemos encontrado que no está tan lejos de lo que muchos piensan es la normativa amorosa vigente. Qué miedo.


Acá les dejamos la liga para que no gasten pesos en cultura.

Asco en el MUAC

No es poco común que uno asocie arte conceptual con algo lejano de cualquier aplicación práctica y/o social de ideas, a final de cuentas el apellido es común denominador de abstracción y casi una intencionalidad de ella.

ASCO: Elite de lo oscuro es una contraversión de esa asociación casi preconcebida que tenemos cuando visitamos un museo de arte contemporáneo.

ASCO fue un grupo de artistas chicanos activo entre 1972 y 1987 y que intenta responder a la situación de discriminación que sufría (y sigue sufriendo) en USA la nación mexico-americana del sur de estados unidos principalmente, aunque no solamente dentro de esa región geográfica y no solamente la sufría en los Estados Unidos. 

El espacio de juego del arte chicano es interesante no solamente por hallarse dislocado respecto a la cultura norteamericana sino también con respecto a la mexicana. El chicano tiene ese incómodo status del hijo no reconocido por ninguno de sus progenitores, ha sido visto como incómodo tanto para los Estados Unidos como para México. Es invasor para algunos y traidor para (nos)otros. 

La segregación es doble, pero también es ello lo que abre su universo de (re)significación.     

Conformado por Harry Gamboa Jr, Gronk, Patssi Valdés y Willie F. Herron III, ASCO es una mezcolanza de técnicas de expresión artística desde la segregación chicana (económica, cultural e incluso geográfica) con la disidencia política de la época.

Claro que se requiere explicar el acento en cada uno de estos términos, ya que por mescolanza habría que acudir al sui generis que define a un grupo artístico que tuvo no siempre los mismos integrantes no siempre en las mismas regiones geográficas; la unidad del mismo parece dada no desde el contenido político sino desde las condiciones de su origen: ese espacio no localizable en el mapa del arte y/o la cultura, es decir, el chicano en USA.

También cuando hablamos de técnicas de expresión habría que apuntar que lo dicho, con palabras sí pero sin palabras también, se vale de las limitaciones técnicas para hacer de ellas un estilo por sí mismo. Es decir, y por ejemplo, que ante la ausencia de espacios designados para la expresión ASCO recurre a los espacios públicos para resignificarlos y dotarlos de un carácter social que la cultura dominante insiste en obviar. Para muestra vale la procesión en Los Ángeles durante la nochebuena de 1971 a lo largo del Whittie Boulevar que inaugura las actividades de ASCO y con la cual nace como grupo artístico, lugar en el que 1 año antes había ocurrido la primera gran manifestación Chicana por los derechos civiles y en contra de la guerra de Vietnam.

La procesión (al modo de las procesiones latinas durante semana santa) incluyó a solamente 3 personas, integrantes de ASCO las 3, y terminó con la colocación de una cruz frente a una base de la marina estadounidense. Este acto, documentado sólo por accidente, da forma a lo señalado por ASCO: la única salida para el chicano de West-LA es la guerra (defendiendo a una cultura que les excluye y en un país del otro lado del mundo) pues no hay para ellos más oportunidad de desarrollo.  

Estos espacios segregados por la cultura dominante son aquellos que deben usarse para la disidencia. Todo uso de técnicas de expresión aceptadas socialmente es un ab-uso del concepto del que nace ASCO; todo convencionalismo es una validación de la linealidad y una conformidad con lo disforme, es decir con la diferencia específica entre grupos sociales y la explotación políticamente correcta de unos sobre otros.

La No-movie es, por ejemplo, la respuesta ante la narrativa lineal del cinematógrafo. Se trata de unas cuantas fotografías montadas en un proyector y con una audiograbación de fondo, con lo que se intenta mostrar que el contenido visual/verbal no es necesariamente el hilo conductor de la narrativa, sino que ella se da a través de la interacción del espectador con la No-movie en la que el sentido está en el lector y en toda la preconcepción de sentido que se tiene al encuentro con la No-movie. El origen del significado está en el pasado del que interpreta y no en el presente del que se expresa, y cuando el pasado del que interpreta se da desde una construcción (la socialmente aceptada segregación de un grupo) lo que ocurre es una perpetuación de la exclusión social y la repetición de la segregación, la categorización de las minorías.

Así la disidencia política no es la pura acción, sino la resignificación de las acciones a través de la acción misma, el performance.

  

Les recomiendo que se den una vuelta por el MUAC para ver Asco: elite de lo oscuro, estará hasta el 28 de julio de 2013 (si se les pasa la fecha no pasa nada, en el MUAC siempre hay algo que ver).

         

   

         

Una cerveza de nombre Derrota

Debo confesar que siempre he sido un mal lector.

Muchas veces he cometido el error de leer libros de un solo jalón, en una sentada como se dice habitualmente. Claro que eso de una sentada es solamente una expresión, al menos en mi caso; cuando leo un libro de una sentada no lo hago del todo sentado: tengo la, buena o mala, costumbre de leer acostado, sentado, de pie, caminando incluso alrededor de mi diminuto departamento, en el baño o mientras como, todo ello sin soltar el texto en el camino entre una y otra actividad. Esto no puede ser del todo bueno, cuando un texto te abstrae de tal modo suele ocurrir(me) que tal texto llena tanto tu vida por unas horas que en las próximas se esforzará por pasar desapercibido.

En los últimos meses me ha ocurrido al menos un par de veces. Me pasó hace 12 con La Reina del Sur, ese texto tan laureado y vendido, tan amenizado en su presentación por mis ídolos de infancia (aún me creo infante) y cuya lectura no pude resistir por más tiempo. Pérez-Reverte me hipnotizó por tres días enteros con su cubierta de tapa dura y sus 542 páginas de 120grs/m2, además de enamorarme cuando la dedicatoria empezaba con el nombre de Élmer Mendoza. Esos tres días fueron para mí puro texto, de lo que comí, amé, odié e ignoré por esos días no recuerdo nada.

Me ocurrió lo mismo con el Leviatán de Auster. Caí directo en la jugarreta del estadounidense y del tipo de literatura que defiende, en la que la desenvoltura del nudo no es tan importante como el nudo mismo de la trama, donde el desenlace no es lo primordial sino el cómo se va dando el mismo. Una especie de solución anti-alejandrina del problema del nudo gordiano, en la que el semi-dios opta por cortar a espada para salir al paso del escalón simbólico que el nudo era. Con Auster me hundí en la lectura por el puro gusto de leer, para leer el gusto por el acto de leer tal texto.

Casos similares con En el trineo de Schopenhauer y Mira al Pajarito, de Reza y Vonnegut respectivamente.

Pero esta ocasión no ha pasado así.
La ocasión se la debo a Eusebio Ruvalcaba.
Una cerveza de nombre derrota es un texto de 120 páginas que me llevó 3 semanas, 3 gustosas semanas.

Aunque se presenta (lo presentan, Víctor Cruz) como un texto que es legitimación del acto heroico de vivir, así como una reconciliación con la esperanza, el texto es más bien una torcida autobiografía de la torcida y encantadora psique del autor.

Formalmente es una especie de anecdotario, o mejor dicho, un aglomerado de experiencias, aforismos, ensayos incluso, crónicas, un algo indescriptible (al menos para mí, con mis inexistentes conocimientos sobre literatura y su clasificación) que en su totalidad nos recuerda unas memorias seniles, en el sentido en el que no hay linealidad y/o propósito expreso.

Y esta senilidad es lo interesante del texto. Quien lea o haya leído el librito, recordará más lo no escrito que las letras del mismo; Ruvalcaba se impregna en las mientes de sus espectadores aún más como personaje que como autor. Una serie de fotografías sobre él mismo, eso es el texto. Imágenes retadoras, intransigentes e irreverentes.

Citar al autor en una reseña es algo que él mismo despreciaría, pero al no ser yo escritor y no ser esto una reseña formal creo que me puedo dar el lujo de desatender sus consejos. El apartado que da nombre a libro tiene esta ilustre ocurrencia,


Propongo una marca de cerveza: Derrota. Sin duda sería una cerveza de gran éxito. Apta para toda ocasión, los profesionales la consumirían a pasto. ¿Quién no sería sincero ordenando una Derrota, de preferencia a voz en cuello, que se escuche por todo lo largo y ancho del lugar: “Una derrota para mí, por favor” o “Una derrota para todos ¿quiere?” … También se podrían refrigerar unas cuantas para beber durante las elecciones o cuando se espera que por fin la mujer haga acto de presencia. Una Derrota combinaría asimismo con todo: con tequila, con whisky, con vodka…

El resto del texto se divide entre la misoginia, la poesía, el alcohol y la música. ¿Qué más puede querer uno? Y que no te espante el temario, único lector de mi blog, la misoginia de Ruvalcaba no es la del tipo que tú conoces, ni siquiera es un odio de género sino tributo. Tampoco el texto dedicado a la pederastia es para espantarse, baste leerlo para entender la dulzura con la que se aproxima a lo prohibido; no te espantes lector, que no es para nada lo que imaginas.

"13 motivos para tomar Ron", "Modos de tomar Ron" y "Otros modos de tomar Ron" son textos imprescindibles para el aprendiz de poeta o de borrachín, que para el caso son lo mismo (que me disculpen los borrachines).

Las "Confesiones Hemipléjicas" son el texto visceral que nos devolverá a todos la necesidad vital de escribir, aunque sea solamente vulgaridades como en mi caso.

Como decía al principio, hay textos que te amarran por un par de días enteros y los cuales desvanecen lo inmediato por un tiempo. Pero hay otros, como éste, que te amarran por años (lo sabes antes de que transcurran) y que no desvanecen lo inmediato por un tiempo sino que lo distorsionan para toda la vida.

Un autor cuya última voluntad es ser enterrado en la sierra de Oaxaca con música de Brahms no podría dejar de resultar interesante.


p.s. Al final de mi lectura me enteré que Eusebio Ruvalcaba escribió la historia en la que se basa Un Hilito de Sangre, de Erwin Neumaier, una de las pelis que marcó mi adolescencia. Ese libro está ahora en la mira.

La belle captive

Como las cosas más interesantes de la vida, esta película me la encontré por casualidad.
Una película, basada en un libro, basado en una serie de pinturas, basadas en un sueño.
Todo bajo el mismo rótulo, la belle captive.
La historia es muy simple, tan simple como una trama surreal. Walter Reim es un detective privado con todo el estilo de los personajes del film noir, solitario, reflexivo, libre. Una noche conoce a una bella dama en la pista de baile de un bar: no tengo nombre, lo he perdido, si lo encuentro te lo haré saber. Con esas palabras de la belle captive, basta para que Walter quede prendado de ella.
Sin embargo, su jefa Sara Zeitgeist, le llama para una misión de carácter urgente. Cuando vuelve a la pista la misteriosa mujer ha desaparecido.
Consternado se dirige a ver a Sara, y de regreso en la carretera se encuentra con la mujer del bar en medio del camino, ensangrentada y esposada, casi inconsciente.
La situación le obliga a posponer la misión que Sara le asigna, y en busca de ayuda acaba por tocar la puerta de una elegante mansión desde donde espera hacer una llamada telefónica.
Ahí, y con nuestra certeza absoluta de que la escena es el antecedente directo de Eyes Wide Shut, un grupo de misteriosos hombres (con bombín, a la Magritte) se concentra alrededor de la pareja y le dan a ella a beber una copa con sangre (en el bar Walter había ordenado un Bloody Mary, justamente).
Tras ello ambos, Walter y la mujer, se ven en una alcoba de la mansión encerrados por los elegantes desconocidos. La pasión y el surrealismo se apoderan de la noche. Magritte y la colección de La belle captive, se apropian del acto amoroso entre los personajes, la estética remplaza a la erótica, o mejor, se mezclan.
Walter despierta y está solo, en una mansión abandonada, un ambiente extraño, con una herida en el cuello. Y el resto del filme es una reverberación de esta estructura, pero eso no significa que el texto sea predecible. Si hay algo que esta película no sea es precisamente el ser predecible. Varios giros de tuerca trastocan la historia y trastornan al que escribe. El sentido de linealidad no se pierde, se pierde el sentido de literalidad e incluso de lo alegórico. La significación de las cosas es tan baladí como la racionalización del subconsciente.
La trama argumental es muy buena, y sin embargo no es la protagonista del filme, ni Walter ni la mujer misteriosa, ni siquiera el surrealismo, sino Robbe-Grillet y su aventurada alianza con Magritte (con quien concibe la novela que inspira la película). Y el acento está en la palabra alianza. Esta interpretación tan cercana (no correcta o incorrecta, simplemente honesta) de las obras del Belga le dan un toque muy puntual a la película en la que el gran fondo es el arte como frontera intangible, a veces indistinguible, de lo real. El trastrocamiento de lo real, la locura de lo real en su sentido etimológico originario, el arte.

O mejor, la bella cautiva.




La exageración del arquetipo de los personajes es también un modo de superposicionar la obra a lo real, es una sátira lírica del papel de la lectura en el acercamiento a lo real. Es decir, una exageración de las características de un personaje precisamente para presentarle como eso, un personaje, una lectura de lo real (si tal cosa existiera), una imagen para hablar en sentido medio lacaniano (No, les juro que no estoy drogado).
Esta exageración de los rasgos que es muy propia de los programas más ridículos de la televisión mexicana, tipo Vítor el de “100 mexicanos dijieron” o bien podrían ser los de la malograda serie “María de todos los ángeles”. Personajes tan exagerados que hemos construido y que al mismo tiempo acaban por construirnos. ¿No dijo el mismísimo Breton que México era un país surreal?
Por supuesto que la mejor reseña de una peli es la que invita al lector a ver el filme, y me parece que este texto está haciendo todo lo contrario, por lo que apresuraremos el punto final no sin antes recomendar una sí muy buena y extensa reseña, la del buen Jim, que hace una bárbara crítica del filme. Una verdadera disección de la obra.
Y como decía Rockdrigo, échenle un pupilazo a las dos, recomendación de alterofilia (sin hache).

El último libro del 2010

El viernes 31 a eso de las 6 de la tarde terminé el último libro del año, un librito de ficción que se me antojó terapéutico después de estar leyendo este 2010 casi puros tratados teóricos. Una novelita lumpen (no hablamos de la novela de Bolaño) que me sirviera solamente de relajación para estos últimos días. Una investigación filosófica de Philip Kerr fue la elegida, la portada solamente fue la encargada de atraerme: una fotografía de Wittgenstein ensangrentado. La contraportada con su sinopsis me convenció por completo, un carnicero Wittgenstein que se dedica a asesinar a gente con el nombre de Parménides, Descartes, Shakespeare, Hegel…
El texto va de una agente de Scotland Yard que debe encontrar a un asesino serial.
Lo curioso es que tanto las víctimas como el victimario tienen nombres clave que un ordenador les ha asignado, un ordenador que se encarga de clasificar los niveles potenciales de violencia en ciertos individuos y cuya identidad se protege a través del bautizo de los mismos como intelectuales de la vieja Europa.
Y aunque la trama y el mismo título se antojan interesantes, el resultado deja mucho que desear. El tratamiento de los personajes es de lo más soso que me ha tocado leer, verbigracia, la agente policial dura que durante todo el texto nos deleita con sus actitudes de misantropía acaba en los últimos pasajes haciendo gala de la cursilería más simplona de la que podría ser culpable la mismísima Charlotte York (sí, hablo de personaje de Candance Bushnell).
Otra cosa más, el libro podrá llamarse Una investigación filosófica, pero lo cierto es que el único filósofo de profesión que aparece en el libro es un autentico pelmazo, quien no extrañamente ocupa un alto puesto de funcionario.
Pero no todo es terrible, o como decía mi amigo más borracho y lúcido, incluso en un mar de estiércol se puede hallar una flor. Algo muy divertido es leer los monólogos del asesino en un tono verdaderamente inspirado por el Tractatus y por las Investigaciones Filosóficas. Incluso hay un guiño cuando sus diarios y reflexiones son plasmados en dos cuadernos, uno azul y uno marrón.
El asesino es simpático y bien trazado, es con lo que me quedo del texto.
Fuera de ello recomendamos ampliamente no invertir sus pesos en este libro, a lo mucho una repasada en alguna biblioteca. No se perderán de gran cosa.

Sin Fronteras

Acá la memoria electrónica del Concurso Internacional de Poesía y Narrativa "Sin Fronteras 2010" de Letras Kiltras.
Échele usted un ojo a la p.31 y nos caerá aun mejor.

Mitad Doble

Ya está al aire el número 12 de la revista Mitad Doble (sí, se llama como el café).
El equipo malacitano liderado por Augusto López en esta entrega nos deleita con 121 páginas de interesante narrativa, poesía, fotografía y comic.
Échenle un ojo al Piccolo Teatro de la p. 110, pero sobre todo, échenle un ojo al juego de espejos de la p. 16 (!) con todo y fotos de Fran Trujillo.

Aquí abajito (sin albur) la revista en el divertido formato de issuu.

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"el libro prohibido del bicentenario"

Este libro es sobre la historia de México.
Esto quiere decir que no es un libro de historia como se nos ha enseñado que la historia es, porque la historia de nuestro país tiene su propio género.
La aproximación que tienen los moneros a la realidad política (aunque confesamos no saber lo que es la realidad ni lo que es la política) siempre ha sido del gusto de alterofilia (sin hache), por lo que publicitar la publicación de este libro se nos hizo imperioso.
Las Pendejadas célebres en la historia de México (Antonio Garci, Diana, 2010) es un recorrido de los momentos célebres de nuestra historia; un listado que va desde los tiempos de la conquista y la pendejada de Eulalia Guzmán de pensar que los restos de una dama eran los de Cuauhtémoc (o incluso la pendejada de José Vasconcelos al afirmar que Cuauhtémoc nunca existió), hasta la época de la salud pública en México, un país de pobres en el que los niños son gordos.
Cargado de datos interesantísimos sobre nuestra historia (por ejemplo, la guerra que libraron las vírgenes de los remedios y la de Guadalupe durante la lucha de independencia, o bien la incorporación y posterior separación de la hermana republica de Yucatán) el libro se vuelve un deleite pre-bicentenario. No tanto por la riqueza de la información histórica, que a final de cuentas es un anecdotario, sino por la forma en que se nos da cuenta de lo pendeja que ha sido nuestra historia (el libro de un monero).
Una última idea, y que da sentido al adjetivo de nuestra historia, como dice Garci, ser pendejo no es un problema único del mexicano, pero sí el principal. Pero el problema no es que seamos pendejos, sino que seguimos a los pendejos y les celebramos sus pendejadas. En ese sentido, acabamos siendo solamente idiotas. Y la conjunción de estos dos elementos resulta en el pensamiento cretino.
“El pensamiento cretino se divide en dos: la pendejez, que es una fuerza activa, y la idiotez, que es una fuerza pasiva, y ambos son las dos caras de una misma moneda. Mientras que le pendejo crea, intenta, propone, actúa y de manera entusiasta y sistemática se mete en todo; el idiota espera de manera indolente y pasmada a que todo pase o todo se lo den”

Posdata desde el texto, y a unas semanas de las fiestas patrias: el 15 de septiembre se celebra solamente porque era el cumpleaños de Porfirio Díaz (él diseñó el protocolo de la celebración del grito), en realidad del grito de Dolores ocurre el 16.

pacheco en el dia internacional del libro

Este viernes 23 de abril, el día internacional del libro, el autor mexicano José Emilio Pacheco recibió de manos del rey Juan Carlos I de España, el premio Cervantes de literatura en español, el más prestigioso de la lengua.
Los hispano parlantes nos hallamos contentos con este premio a la poesía en español, pero los mexicanos nos sentimos unidos a este poeta ineludible de la literatura mexicana.
Por eso, este día internacional del libro alterofilia (sin hache) se pone la camiseta para felicitar a José Emilio.

Magritte en Mexico

René Magritte se ha instalado en México
(y tenemos pruebas)

ora ci k te pasastes

alterofilia (sin hache), siempre en la mejor disposición de fomentar la cultura de nuestro país se ha dado a la tarea de explorar las profundidades del youtube y traer a este blog un video editado por un joven mexicano de lenguaje extraño.
El folclor del compositor de la canción, y el folclor de los intérpretes, se ve potenciado con el mensaje de nuestro insigne y adolorido muchacho, que sufriendo por una dama subió a la red este mensaje que acompaña a la canción del divo de Juárez, interpretada por la Banda el Recodo y su redondo cantante.
Si es que Nancy era lingüista, literata, o una persona común y corriente, se entiende que haya dejado a nuestro poeta a causa de su florido léxico.


KIERO K SEPAS QUE YO SI TE
KISE PERO TU ASI LO
DESIDISTES K SE AKABARA
ESTE AMOR ASIA TI

PERO NO KIERO K
HABLES MAL O BIEN
DE MI POR FAVOR

Y QUE TE VAYGA BIEN EN EL
FUTURO PERO NO KIERO K
OLVIDES LO K PASO ENTRE
NOSOTROS

………. Y PERDON SI TE LASTIME
O TE OFENDI MIL DESCULPAS Y
GRACIAS POR TODO EL TIEMPO
DE ALEGRIA QUE ME DISTES

BYE NANCY ADIOS Y
CUIDATE POR FAVOR

futbol y algo mas

Acepto que mi colaboración en este blog es prácticamente nula , aunque los deseos de participación siempre están presentes (jeje), no hay pretextos el día de hoy solo levanto la mano y esperando que esta sobre explotación académica con tintes alienantes termine con el inicio del falso diciembre que me recuerda los deseos ansiosos de querer regresar a la Matrix, mando un tributo al futbol, a la filosofía y al colega que hoy se encuentra en el continente madre de la “libertad, sujeción y de la ambigüedad moderna”